La aproximación de Tarantino al notorio pasado nazi

Parece ser un rasgo de las películas realmente grandes combinar formas de arte, técnicas y estilos casi irreconciliables y, al hacerlo, presenta a la audiencia un aspecto completamente nuevo de la narración y el estilo. «Inglorious Basterds» de Quentin Tarantino es una película de este tipo y, sin embargo, trata de no parecer especial al estar desgastada en las curvas, sin pulir en ciertos lugares y sin usar la autoridad moral de la mayoría de las películas que retratan eventos de la Segunda Guerra Mundial. El guión de «Bastardos sin gloria», que fue escrito por el propio director Tarantino, se había desarrollado a lo largo de muchos años, lo que le permitió pulir todos los detalles y desarrollar su historia inusual hasta el punto de que las palabras habladas en la pantalla. parecía tan natural como si no hubiera ningún guión real. Este método de escritura único permitió a los actores llevar a sus personajes en la dirección que quisieran, pero aún así permanecer fieles a su trasfondo original que se estableció incluso antes de que comenzara el rodaje. Este hecho distingue a Tarantino de otros guionistas y le permite hacer cualquier cosa que se proponga creativamente en primer lugar, permitiendo la interferencia de los ejecutivos del estudio solo al final, cuando todo el proyecto está listo para aparecer en el mercado. . Pero echemos un vistazo más de cerca a la película en sí.

En el nivel del mensaje de la película, los bastardos geniales de Tarantino confrontan a la audiencia potencialmente con varios temas tabú muy serios. Mencionemos algunos de ellos. El primer tema podría formularse como la siguiente pregunta: ¿Debería permitirse que los oficiales de alto nivel de los ejércitos conquistados, que cometieron crímenes de guerra masivos contra civiles, hayan dispuesto rendiciones condicionales (canales de ratas legales y seguros) o deberían ser marcados eternamente con la signo cuya victoria esperaban? Los chicos judíos malos de Tarantino prefieren marcar con cuchillo esvásticas nazis curvas en la frente. El segundo tema también podría plantearse en forma de pregunta: dado que la justicia rara vez es justa y dado que las víctimas de la Segunda Guerra Mundial (los judíos en primer lugar) no pueden ser compensadas completamente por sus pérdidas, ¿debería permitirse a las víctimas cometer venganza por su cuenta? ¿conducta? Los chicos malos de Tarantino arrancan cabelleras como los apaches y la música de cine apoya esta asociación citando y mezclando música incluso de los brutales spaghetti westerns con la música de cine compuesta por Ennio Morricone. El tercer problema es un problema de reconstrucción posmodernista, lúdica y pseudohistórica del final de la Segunda Guerra Mundial. Aquí, Tarantino nos provoca con la posibilidad ficticia de terminar la guerra matando a Hitler, Goebbels, Bormann y Goering en una sala de cine («todos los huevos podridos en una canasta»). Después de numerosos intentos fallidos de asesinato de Hitler, ¿el mismo «Pintor» resulta ser asesinado por imágenes en movimiento en un cine de París? Nadie antes de Tarantino tuvo una idea así. El cuarto tema es el problema del racismo alemán contra los judíos y los negros, que es realmente un muy buen tema considerando algunos renacimientos reales de la subcultura neonazi en todo el mundo. Y el quinto problema es el problema de un asesino en serie brillante, inteligente, elocuente, políglota, encantador y educado en el personaje del coronel de las SS Hans Landa, que representa aquí a algunos monstruos nazis muy famosos que lograron escapar de la justicia. (por ejemplo, Mengele), siendo una caricatura que logra aprender eventualmente a usar la expresión «¡bingo!» correctamente, pero en circunstancias bastante extrañas. Además, Hans Landa parece ser una especie de cruce entre el detective que vive en el 221B de Baker Street y el siniestro político de Michael Dobbs, Francis Urqhart, de su exitosa novela «El castillo de naipes». Más aún, el resto del elenco está interpretando brillantemente muchos papeles estereotípicos que podrían haber salido del set de cualquier película de Sergio Leone, o incluso de películas como «Dirty Dozen», «Donde las águilas se atreven», «El águila ha Aterrizado», etc

Además, Tarantino parece haber hecho una película que se acerca a la calidad del teatro en algunas escenas físicamente bastante estáticas (por ejemplo, mientras está sentado a la mesa) que crecen hasta desarrollar una dinámica total de inteligencia verbal en la interpretación (determinando quién va a sobrevivir, dependiendo de los acentos, errores verbales y no verbales en la lengua materna y en lenguas extranjeras, según la capacidad de destruir las propias huellas antes de abandonar los lugares importantes, según la suerte y el destino de cada uno) con disparos mortales finales. De alguna manera, tenemos aquí una película que consta de cinco partes dramáticas en parte variadas y conocidas: 1) la exposición que muestra el exterminio de la familia judía Dreyfus «En la Francia ocupada por los nazis»; 2) introducción a los Vengadores judíos en «Bastardos sin gloria», 3) intensificación de la tensión en la «Noche alemana en París», 4) peripecia dramática en «Operación Kino» y finalmente 5) la derrota nazi en la «Venganza del Gigante». Rostro». Por otro lado, la película de Tarantino es también una película sobre películas. Se trata de películas que están en conflicto: la producción cinematográfica de la UFA del Tercer Reich contra Hollywood, Goebbels contra Selznik. Es una película sobre los críticos de cine y sus libros.

Las películas de héroes de guerra nazis (por ejemplo, «El orgullo de la nación») se oponen a las películas expresionistas judías de la década de 1920 en la República de Weimar. La técnica del claroscuro de la poética cinematográfica expresionista ha sido utilizada por Tarantino de forma intencionada. La alusión verbal al niño malo judío llamado «Oso Judío» o «Golem» es parte de este juego intertextual en la película. Se menciona a Pabst y el propio Emil Jannings aparece como un personaje de la ficción cinematográfica. Leni Riefenstahl, Max Linder, «King Kong» y «The Kid» de Chaplin también forman parte del texto fílmico de Tarantino. Shoshana Dreyfus, la única superviviente de toda la familia judía, colabora con los nazis como propietaria del cine anfitrión de la noche alemana bajo el nombre de Emmanuelle Mimieux y adquiere las apariciones de la supuesta actriz colaboradora Danielle Darrieux. Además, la película de Tarantino es también indirectamente una película sobre películas de propaganda de odio -como «El judío eterno» (dirigida por Fritz Hippler, 1940)- que se han convertido en parte del subconsciente de la gente incluso en Francia: Perrier LaPadite decide traicionar al familia Dreyfus solo después de que Hans Landa cuente su historia de ratas (es decir, judíos) que traen enfermedades y desastres. El salvador de los judíos se convierte en su traidor después del lavado de cerebro de Landa y le señala en silencio, aunque con lágrimas en los ojos, su ubicación en el sótano. Esta película es también una película sobre cortar películas, cambiándolas con nuevas secuencias de películas subversivas incrustadas. El material de la película en sí (copias de película de nitrato) se convierte finalmente en el medio más importante para destruir el liderazgo nazi completo.

Veamos finalmente la recepción de la película. El denominador común de la mayoría de las primeras reseñas de esta película fue el hecho de que todos elogiaron la actuación abrumadora de un actor nacido en Austria, Christoph Waltz, profesando su brillantez al interpretar al ingenioso Hans Landa, y al mismo tiempo manifestando su misterioso anonimato al exterior. mundo. Sin embargo, esto no es la verdad. Era casi desconocido para el mundo de habla inglesa en el sentido de que casi nunca lo había visto actuar. La mayoría de sus papeles los hizo para películas de televisión alemanas, pero ciertamente no era anónimo. De hecho, la gente se sorprendería del hecho de que fue considerado un prodigio en sus primeros días como actor, de la misma manera que se proclamó a Pitt como Robert Redford de la «próxima generación».

Hay, sin embargo, una gran diferencia entre los dos. Christoph Waltz es un actor clásico, en el sentido de que estudió actuación en la escuela de arte dramático Max Reinhardt en Viena y en el Instituto de Teatro Lee Strasberg en Nueva York (el mismo Lee Strasberg que enseñó a Al Pacino, Robert De Niro, Dustin Hoffman y la mayoría de los actores y actrices de los años 80 y 90, ¡el arte del método de actuación!) Como tal, Waltz, al ser un actor de educación clásica, ciertamente tiene una gama más amplia de técnicas artesanales a su disposición, que implora magistralmente a lo largo de esta película. Pitt, por otro lado, ha evolucionado como actor y se comporta con la misma tenacidad y encanto de un joven Frank Sinatra, un papel que interpretó gallardamente en la nueva versión de Soderbergh de «Ocean’s 11». Los dos actores se encuentran en un entorno que sirve como catalizador de su conflicto, diseñado no para domar y calmar sino para provocar y embellecer reacciones, agudizar los sentidos y sacar a la luz las cualidades ocultas de ambos mundos. La película se beneficia de su exclusividad mutua y no es de extrañar que Waltz terminara ganando el Premio de la Academia a la categoría de mejor actor de reparto, lo que lo coloca junto a Emil Jannings, como el segundo austriaco en recibir este premio. Seguramente pasará a la historia como el hombre que insufló vida a uno de los antagonistas inteligentes pero aterradores de la historia del cine moderno, junto con Hannibal Lecter de Hopkins o Norman Bates de Perkins en «Psicosis».